Фейт Рингголд е художник, активист и пророк. Но това е само надраскване на повърхността.

Ранни произведения #7: Четири жени на маса (1962) от Фейт Рингголд. (2021 Faith Ringgold, член на ARS, ACA Galleries, NY)

Нито едно от лицата в „Четири жени на маса“ на Фейт Рингголд не изразява радост. Жените са скупчени в тясно пространство, сенките падат дълбоко върху косите и лицата им и ако двете фигури от двете страни на масата се гледат една друга, това е с подозрение или някаква по-тъмна инсинуация.

Картината от 1962 г., ранна работа на признатата художничка, се среща в началото на мощно изследване на нейната кариера, което се разглежда в музея Гленстоун. Първоначално представено през 2019 г. в Serpentine Galleries в Лондон, шоуто пътува до Швеция и се вижда тук на единственото си място в САЩ. Довеждането на външни изложби не е обичайната практика на Glenstone, казва директорът на музея Емили Уей Рейлс. Но дори преди смъртта на Джордж Флойд миналото лято и каталитичния ефект, който имаше върху движението Black Lives Matter, Гленстоун беше направил планове да бъде домакин на шоуто.

Да го видиш днес, докато в Минеаполис тече процес за проверка на смъртта на Флойд, е брутално трудно, но и вълнуващо. Рингголд се появява не само като мощен защитник на расовата справедливост и равенството на жените, но и като пророк. И виждането на напречен разрез от кариерата на 90-годишния художник кара човек да бъде развълнуван от нещо също така: сплотеността и постоянството на нейните идеи, импулси и жестове, което внушава героично чувство за цел, ум, посветен да събира нещата, да ги свързва заедно и да ги прави четливи за възможно най-широка публика.

Помислете за четири жени на маса. Тук има разказ, очевидно такъв за безделие, отчуждение и взаимно недоверие, въпреки че картината не го прави изричен. Но има и тенденция към геометрии на преден план, които носят емоционална тежест, ъглите и дъгите на гледане или покрай един друг, и йерархиите на височината и разположението на лицата в ограничена рамка. Главите дължат нещо на Пикасо и още повече на абстрактните линии и равнини на Матис, чиито зелени сенки на лицето изглежда са вдъхновили Рингголд да създаде аналогични сини през тези първи години от кариерата си.

В цялата изложба тази тенденция към геометрия и абстракция се повтаря, свързвайки фигуративната работа със случайни набези в чиста абстракция. Рингголд, който е израснал в Харлем и е подкрепял движението на Black Power през 60-те години на миналия век, е запомнен в редукционната стенография на случайния посетител на музея като политически художник и провокативен. Показването на една от най-силните й творби, поредица № 20 на американските хора от 1967 г.: Умри в Музея за модерно изкуство в Ню Йорк едновременно отдава почит и смекчава това наследство от активизъм: Картината с размер на стена е съпоставена с революционните Les Demoiselles на Пикасо от 1907 г. д'Авиньон, с имплицитното внушение, че и двете са разрушителни, спонтанни и диви в своята упоритост на изразителна цел.

Уейн Тибо, на 100 години, рисува свят в движение

Но това минимизира още един факт за Ringgold, който става все по-ясен по време на тази изложба: силно начертаните и структурирани форми, които са в основата на всяка картина или дизайн. Тя е страстна към композицията, което я прави метафора за разбиране и по този начин съдържа енергиите, които нейното изкуство изобразява и разгръща. Една от най-известните й творби, Американският народ от 1967 г.: US Postage Stamp Commemorating the Advent of Black Power, използва поп арт тропа на познат, ежедневен предмет, пощенската марка, за да създаде мрежа от лица, някои черни , останалите предимно бели. Думите Black Power са вписани диагонално в мрежата, ясно четливи. Но самата решетка е структурирана от думите Бяла сила, с буквите, разпънати и свързани, и изобразени в бяло и по този начин почти невъзможни за четене, освен ако не ги търсите.

Призрачният, подобен на мрежа шрифт прави основно изявление за скритата природа на силовите структури, повсеместност и вездесъщност, която ги кара да изчезнат в подразбиращия се естествен ред на нещата. Но също така напомня за детска игра, в която думите бяха написани с знаци, изпънати вертикално, така че единственият начин да ги прочетете е да обърнете хартията така, че да е почти хоризонтална към пода, което накара да се появи вертикално разтегнатия шрифт като нормален печат.

Тази игра предлага прост урок по основно художествено умение, ракурс. В ръката на Рингголд това също предполага, че трябва, поне мислено, да свалим нейните картини от стената, ако искаме да видим нещата от нов ъгъл. Това изискване става още по-ясно в нейните известни юргани картини, в които надписите върху някои от ватираните платна се превъртат около творбата геометрично, така че понякога да е с главата надолу или да се движи нагоре и надолу по вертикалната ос. Отново, най-добрият начин да видите това, да го прочетете лесно, би било да го премахнете от стената - ако подобно нещо беше разрешено в музей на изкуствата.

Рингголд се обърна към направата на своите картини с юргани, след като откри стая с тибетски и непалски свитъци от 15-ти век, или танка, в Rijksmuseum в Амстердам. Картините, които можеха да се навиват, бяха по-лесни за преместване и съхранение, което тя намираше за удобно по това време. Като жена художник, вие трябва да управлявате работата си сама, каза тя в интервю с Ханс Улрих Олбрист, публикувано в предстоящия каталог на изложбата.

Човек може сам да попълни дисертация с добър размер за юрганите на Рингголд - как са превърнали разказването на истории и паметта в централно място в нейната работа, позволявайки й да заобиколи обичайните пазители на разказа и как объркаха старите представи за границата между изкуството и занаята, рисуването и прошиването, легитимните и маргинализирани форми на изразяване. Това, което прави най-силно впечатление, когато ги види отново, и то толкова много от тях наведнъж, е тяхната интимност. Едно достойнство на нещата, които са много преносими, е, че можете да ги държите близо до себе си и това качество на близост е най-трогателно.

Хелън Франкенталер идваше от привилегията. Нейното изкуство надхвърля това.

Сред акцентите на изложбата е излагането за първи път в една галерия на колекция от девет абстрактни произведения, направени от Рингголд в началото на 80-те години, след смъртта на майка си през 1981 г. Тя нарича тези картини поредицата Dah, измислено име, дадено им от първата й внучка, която се учи да говори по това време. Формално те се основават на почти абстрактното представяне на гори и зеленина, наблюдавани в някои от по-ранните й творби. Моделът също така подсказва какъв камуфлаж бихме могли да носим, ​​ако се опитваме да останем незабележими в гора от дъги, сребро и злато и вечни залези. Те предполагат рай или радост, може би въодушевлението от откритието, когато дете посочи нещо смислено и просто каже, че, там, да или да!

Ценността на тази изложба е нейното натрупване на детайли и прозрение. Не се спори, че изкуството на Рингголд е някак си по-лично и интимно, отколкото обикновено му отдаваме заслуга, само ако можехме да видим отвъд политиката. По-скоро добавя личното и интимното към активистката и политически настроената чувствителност. Той свързва обратите в нейния живот— посещение на холандските майстори в Rijksmuseum води до откриването на картини на танка —на страстта й през целия живот към справедливостта в света.

Но също така предлага нещо, което е лесно да се изгуби от поглед, утопичното след политическата борба. Как изглежда по-добрият свят, който търсим, когато го постигнем?

Серията Dah предполага, че вече е там и се крие на видно място, като пагубните думи White Power върху картината с пощенска марка, която тя направи през 1967 г.

Вяра Рингголд отваря врати в Glenstone на 8 април. Допълнителна информация на адрес glenstone.org .

Колекцията Phillips се обновява за нов век

Доналд Тръмп иска библиотека. Той никога не трябва да има такъв.

Хеликсът на Amazon е разсейващо и много символично.